Catégorie Peintures

Peter Paul Rubens a vécu et travaillé à la Renaissance et au baroque. La principale caractéristique de cette époque a été la vulgarisation de l'art du monde antique. C'est pourquoi, sur cette image, nous voyons l'image de l'ancienne déesse romaine de l'amour et de la beauté - Vénus. La manière centrale de travailler est, bien sûr, Vénus elle-même.

L'icône de la Cène d'Andrei Rublev peinte en 1425-1427 est actuellement conservée dans le monastère de la Trinité-Serge et est l'un des plus brillants représentants de la peinture d'icônes russes. Une table ovale décorée dans des tons jaunâtres avec de petites stries d'espaces blanchâtres, qui approchant les bords de la table, se transformer en une couleur blanc pur.

La figurine de table est en or avec un léger ajout d'émail. En apparence, le salier ressemble plus à un cercueil qu'à une figurine ordinaire. En hauteur, la figure atteint 26,3 centimètres et en largeur - 33,5 centimètres. Lorsque Ippolito d 'Este a commandé une salière à Cellini, le maître a immédiatement eu l'idée de créer une figure qui implique l'union de la mer et de la terre, en raison de laquelle le sel est né.

Parmi la beauté et le savoir-faire uniques des images féminines, l'image d'Ekaterina Nikolaevna Orlova, appartenant au pinceau de Fedor Rokotov, ne prend pas la dernière place. L'artiste est devenu célèbre, entre autres, pour sa capacité inimitable à peindre un portrait intime d'un personnage, à remarquer subtilement sa psychologie, à montrer des expériences profondément cachées et soigneusement cachées et un changement insaisissable des émotions.

Nicholas Roerich était un artiste très talentueux qui peignait sans relâche. Le tout dernier jour, il a travaillé précisément sur le tableau «Ordre des enseignants». Plus tôt, en 1927, Roerich avait déjà écrit l'ouvrage «Teacher's Decree», mais après 20 ans, le maître repensa ce qu'il avait écrit et changea la version originale.

Le tableau est daté de 1940, est conservé dans l'un des musées belges.Rene Margitt est connu dans les milieux artistiques comme l'auteur de tableaux mystérieux et mystérieux. Il faut les considérer longuement et attentivement pour voir le vrai sens, parfois profondément caché, de la toile. La clé de la «cryptographie» de Margitt est les mots d'Herbert Reed, qui considérait l'artiste comme un maître de la représentation de quelque chose d'inexistant, d'images et de peintures qui ne vivent que dans les fantasmes bizarres de l'auteur.

Le personnage principal de ce tableau est Homère, un grand vieil homme dont les pensées et les paroles ont été transmises de bouche en bouche pendant de nombreux siècles. Le visage de l'aîné exprime la sagesse et la clarté de l'esprit, et les épaules et les genoux du sage sont recouverts d'un tissu blanc. Gloire - un bel ange en robe blanche et des ailes scintillantes couronne le vieil homme avec des lauriers d'or.

Le tableau «Le salut d'Arsinoé» a été peint par le peintre vénitien Jacopo Tintoretto en 1555-1556. Il est actuellement stocké à Dresde. On ne sait pas avec certitude ce qui a poussé Tintoretto à se tourner vers la figure d'Arsinoe et à en faire le personnage central de l'intrigue, ne serait-ce que parce que le type d'Arsinoe en question n'est pas encore totalement clair.

Paul Cézanne était un impressionniste célèbre. Son œuvre «The Hanged Man’s House» n'a qu'un seul objectif: faire une certaine impression sur le spectateur. Sur la base du titre de l'œuvre, il devient clair que l'image doit être répugnante. Personne n'aime regarder une œuvre au nom de laquelle la mort elle-même est cryptée.

La première chose qui attire l'attention sur cette image est la forme inhabituelle. Le fascinant jeu de triangles crée un effet d'irréalité de ce qui se passe, le spectateur est comme plongé dans le miroir. La géométrie captive et donne un sentiment de quelque chose d'inhabituel et d'intime qui dépasse le cadre de ce monde. Avec un long regard sur l'image, le spectateur crée le sentiment qu'il entre lui-même dans cette pièce et participe à cet événement mystique.

1884. Le tableau montre une scène de genre domestique. L'intrigue de l'œuvre est tirée de la vie - le lieu du procès, Makovsky a vu pendant le voyage dans la province d'Orel. Au premier plan, deux - un simple paysan et un représentant du gouvernement, un juge de paix. Un jeune homme devant la table du juge - apparemment, l'accusé dans une affaire civile.

La peinture de l'artiste français du 17ème siècle Claude Lorren est une reproduction sur la toile d'une intrigue biblique sur la rencontre de Jacob avec Rachel avec son futur amour pendant de nombreuses années. Date de création - 1666. L'éminent maître du paysage, l'un des meilleurs paysagistes de France, a montré son talent divin dans l'image en toute ampleur et puissance.

Le "Portrait de Giovanna Tornabuoni", écrit en 1488, n'a pas été créé à partir de la nature - le matériau source de l'œuvre était une médaille avec le profil d'une jeune femme, selon la version actuelle, faite pour épouser Giovanna della Albizzi avec Lorenzo Tornabuoni. La femme florentine n'était pas spéciale dans l'histoire, à moins que le jeune mariage n'ait lieu avec la participation directe de Lorenzo le Magnifique, un parent du marié.

Watteau a écrit cette magnifique composition comme test d'entrée pour l'admission à la Royal Academy. Chaque historien de l'art a interprété à sa manière l'allégorie de ce voyage sur l'île d'Amour. L'œuvre a été placée dans les collections de l'Académie royale de peinture et de sculpture, cette œuvre a été inscrite en 1793 au Musée Central d'Art de la République, futur Louvre.

La peinture sentimentale de l’artiste touche au motif de sympathie pour la tragédie humaine. Pour cette toile, Klodt a reçu une grande médaille d'or. L'atmosphère de véritable attention, de tristesse et d'affection pour une fille en décadence domine la toile sans théâtralité, bien qu'avec une touche de sensibilité.

Chaque artiste est un étudiant à vie. Tout le temps, vous devez apprendre à représenter de nouveaux angles, des objets inhabituels. Mais le plus difficile est toujours de donner l'image des gens. Cette œuvre de l'artiste français Georges-Pierre Seurat en est une confirmation éclatante. Cette œuvre est stockée depuis de nombreuses années dans une collection privée, mais on ne peut pas appeler cela une image que les gens admirent toujours.

Une série de gravures illustrant le célèbre poème satirique du Moyen Âge a été réalisée en 1498 sur papier et un fragment d'arbre spécialement conçu par le célèbre artiste et graveur allemand Albrecht Dürer. Un dessin illustrant le livre a également été conservé. La feuille est divisée en deux parties égales. Dans la moitié supérieure, un groupe de personnes monte dans une charrette tirée.

JOIE DE LUMIÈRE. SÉCURITÉ Ce sont les sensations de chaque personnage de l'image qui s'est passé sous la voûte de chêne, et les sensations de la personne qui regarde cette image. L'œuvre de Bryullov présentée ici est l'un des chefs-d'œuvre de la peinture de paysage. Il est écrit dans des couleurs vives et gaies, vous pouvez sentir la plaine chauffée par le soleil, le long de laquelle les pèlerins se rendent au lieu de leur culte et de l'accomplissement de leurs désirs.

Pas trop connue par rapport aux créations ultérieures du grand Ivan Shishkin, la toile a été créée en 1856 pour le premier test de compétition à l'Académie des Arts. La grande compétence de l'auteur a été récompensée par une petite médaille d'argent et a reçu de nombreuses critiques flatteuses d'artistes reconnus et vénérables.

Dans cette image, tout l'art du Titien réside dans l'incarnation subtile d'un thème religieux. La Vierge Marie était souvent représentée dans une robe rouge, un manteau bleu et avec l'enfant Jésus dans ses bras, de sorte que même un spectateur non initié peut facilement les reconnaître, ainsi qu'identifier d'autres personnages et objets représentés sur la photo.